Fotógrafos gaúchos de diferentes gerações mostram suas formas de retratar

Estabelecer um marco zero da fotografia no Rio Grande do Sul é tarefa difícil. Pouco tempo depois de patenteada em Paris em meados do século XIX, vários fotógrafos circularam por aqui. O professor da Ufrgs Alexandre Santos observa que boa parte veio e foi embora. Posteriormente, alguns europeus inauguraram estúdios em Porto Alegre, Pelotas e Rio Grande, a exemplo de Luiz Terragno, um dos pioneiros.

Havia um processo de propagação da fotografia no mundo, que se tornou mais viável com o advento dos negativos em vidro e em película. Com isso, estabeleceram-se aqui outros estrangeiros, a exemplo do espanhol João Antônio Iglesias, o alemão Otto Schönwald, e, posteriormente, os italianos Virgílio Calegari e os irmãos Ferrari.

Seguindo a linha do tempo, Santos pontua na virada do século XIX pro XX o começo de uma coqueluche mundial, o fotoclubismo. Eram amadores que registravam aspectos pitorescos da paisagem e das pessoas, uma onda que provavelmente se estendeu por todo o Estado. Lunara foi o fotoclubista mais notável, do Sploro Photo Club. A fotografia começava a ser valorizada como arte. "Havia preocupação de uma fotografia próxima da pintura em alguns estúdios", destaca Santos. Vieram as vanguardas, e com elas a straight photography, a partir dos Estados Unidos.

Na história recente, o professor observa que há pelo menos duas vertentes: a dos herdeiros de uma fotografia tecnicamente bem-acabada e a dos artistas que trabalham com a linguagem fotográfica. Dessa última, destaca nos anos 1970 o grupo Nervo Óptico, com Vera Chaves Barcellos, Carlos Pasquetti, Mara Alvares, Telmo Lanes, Clóvis Dariano, entre outros. "Desenvolveram trabalhos críticos, seguindo uma tendência de arte conceitual e trabalharam a fotografia como linguagem a ser explorada", pontua.

A outra vertente, mais ligada ao documental, tem Luiz Carlos Felizardo e Leopoldo Plentz como ícones. Seu foco é a fotografia tecnicamente impecável, muito próxima da straight photography. "Registraram aspectos do cotidiano mas com caráter artístico profundo", assinala Santos.

Uma das vertentes documentais, a fotografia jornalística nos anos 1970 estava ligada à lente teleobjetiva. Ou seja, fotografava-se de longe. Mas iniciativas como a do coletivo Ponto de Vista começaram a mudar este paradigma, pois acreditavam que era preciso chegar perto e conversar. Então adotaram a lente grande angular. Dessa forma, viajaram por todo o Estado, buscando mostrar o agricultor como jamais havia sido visto. O grupo surgiu no Coojornal e publicou os primeiros livros de fotojornalismo no Rio Grande do Sul. Entre seus integrantes, estavam Jacqueline e Genaro Joner, Eneida Serrano, Luiz Abreu, Raul Sanvicente, Humberto Andreatta e André Pereira.

Jacqueline Joner (67 anos), nasceu em Santa Rosa e foi professora universitária, participando assim da formação de toda uma geração. Procurou manter uma relação vital com os alunos, que tiveram mais acesso ao conhecimento em comparação à sua geração. Mas observa que "se o fotógrafo não tiver olhar próprio, não vai adiantar todo esse conhecimento".

O retrato é sua especialidade, que exerceu nos anos 1980 no Diário do Sul, influenciando o fotojornalismo na época. Outra característica do trabalho de Jacqueline é isolar objetos de interesse em fundos neutros, a exemplo da série Retratos de casamento (2000), com casais de diversos locais.

Recentemente, passou a registrar flores em fundo infinito. Sua justificativa é de que "uma flor nunca está no melhor lugar para ser retratada". Ela começou há seis anos essa série, com o celular, aprimorou a técnica, vem publicando no Instagram os resultados, mas não revela como trabalha. No entanto, não acredita estar fazendo fotografia, mas se dedicando à arte botânica. "A fotografia acabou, era outro equipamento, outro processo", enfatiza.

Fernando Bueno (65 anos) compartilha de visão semelhante. "Por exigência de mercado, hoje fotografo até com celular, mas o digital não é fotografia, é outra linguagem", diz. Sua crítica também recai sobre trabalhos com muita justificativa: "Não é fotografia, tinha que inventar outro nome pra isso. A fotografia fala por si só".

Com essa convicção, utiliza uma variedade de câmeras analógicas, das mais simples, como Holga e Horizon, às mais sofisticadas, de grande e médio formato. Em uma de suas produções, chamada Memórias vencidas, exposta na Bienal de Bogotá em 2019, utilizou filmes guardados por 10 anos na geladeira, para produzir efeitos imprevistos.

Comentando as transformações no mercado, Bueno relembra quando foi contratado em 1978 pelo The Image Bank, atual Getty Images. Certa vez, vendeu uma foto que rodou o mundo, o que lhe rendeu em direitos autorais o suficiente para levar sua família de férias para os Estados Unidos durante um mês. Hoje, observa que o rendimento é de centavos, pois a tecnologia permitiu a proliferação dos bancos de imagens, boa parte deles gratuitos.

Ele integra, desde 2001, o grupo que organiza o Canela Foto Workshops, o mais longevo festival do Brasil. Mesmo com a pandemia e a perda de patrocínio, a movimentação em torno da fotografia seguiu em 2020 na cidade serrana, com exposições ao ar livre.

Já no Norte do Estado, em Passo Fundo, o Grupo da Foto é uma iniciativa que reúne desde 2010 amadores e profissionais para pensar a cidade com olhar fotográfico. Um dos integrantes, Diogo Zanatta (38 anos) observa que a região sempre teve bons fotógrafos, a exemplo do estúdio Foto Moderna, da família Czamanski.

Seu desejo é entrar para o rol dos que se dedicaram a documentar a história de sua cidade. Começou fotografando para publicidade, passou ao fotojornalismo e a convivência com o Grupo da Foto estimulou-o a focar sua Nikon D750 em trabalhos autorais. Um deles é a fotografia de estrelas e meteoros, que pesquisa há cinco anos.

Zanatta procura dialogar com os colegas da sua região. Uma de suas referências é Tadeu Vilani, de Santo Ângelo. Ao mesmo tempo, nas redes digitais, mantém interlocução com pares de outros lugares do mundo.

O contato virtual gerou recentemente o coletivo Pixel Ladies, formado na pandemia por mulheres gaúchas que residem em diferentes países. Para amparar seus trabalhos autorais neste período, elas criaram uma campanha de financiamento coletivo na plataforma Catarse.

Francine Tobin (25 anos), que vive em Eldorado do Sul, é uma delas, ao lado de Suzana Pires, Denise Dietrich, Malu Baumgarten, Julia Pilati, Gabriela Radde e Ritiele Brasil. A prática profissional de Francine está calcada em ensaios e eventos sociais.

No fim do ano, irá formar-se na universidade, onde voltou sua câmera Canon EOS Rebel T5I para o campo artístico. "Na fotografia autoral é onde mais se tem liberdade", afirma.

A jovem já fez experiências com câmera analógica, mas sempre usou a digital: "Gosto de fazer efeitos manuais na hora do clique, inserindo pedras translúcidas, vidros ou tecidos nas bordas da lente, criando um clima mais onírico".

Para Leo Caobelli (40 anos) as fotos não falam por si: "Não que precise explicá-las, mas a arte contemporânea vem acompanhada de reflexão sobre o processo artístico e entra em um nível alto de apreciação". Entre a arte e o documental, acredita que produz em um entrecampo. Hoje, recupera HDs descartados em lixões eletrônicos para coletar imagens e construir narrativas. Conta com o apoio de um amigo que garimpa nos galpões da Nigéria: "As imagens recuperadas lá nunca são de negros. São sempre alemães, chineses, americanos, que exportaram seu lixo para o país".

Leo Caobelli é natural de Pelotas e estudou na Fábrica, fundada por Oliviero Toscani na Itália. Trabalhou como fotojornalista e difere a fotografia útil, feita para os outros, e a fotografia autoral, feita para si. "A minha fotografia é a do contexto. Não é a fotografia síntese, ícone, não é fácil de colocar à venda na galeria", conclui.

Há 12 anos, enquanto trabalhava na Folha de S.Paulo, fundou com Paulo Fehlauer e Rodrigo Marcondes a agência Garapa, dedicada à produção multimídia, com os primeiros recursos digitais. Os coletivos pautaram a organização do seu trabalho. Hoje, faz parte da Planta Baja, em Porto Alegre, ao lado de Cristiano SantAnna, Giordano Toldo, Marcelo Armesto e Vicente Carcuchinsk.

Observando a história local, Caobelli ressalta grandes fotógrafos que se dedicaram ao tema do Pampa, formando uma estética da fotografia no Estado: "Depois, chega uma leva que coloca esta imagem cristalizada em xeque". Para ele, as novas gerações tendem a deixar de lado o gaúcho como ícone. Cita Lorenzo Beust, que fotografa São Gabriel, e Ricardo Ara, que fotografa Garibaldi, ambos buscando um olhar regional "sem devoção, nem cuspir na tradição, mas encontrando outras imagens".

Fotografar o seu entorno e ter uma autorrepresentação ligada à ideia de América Latina é o que conduz Tiago Coelho (34 anos), sócio da Galeria Mascate e professor na Unisinos. "Temos uma fotografia muito baseada naquela feita pelos colonizadores sobre nós", observa.

Por isso, procura evitar a prática do viajante que fotografa com um olhar peculiar. "Busco fotografar um microuniverso, mas representando um macrouniverso. Posso estar falando de alguém próximo, mas também de toda uma parcela da sociedade brasileira, ou do Rio Grande do Sul", conclui.

No início, Coelho usava filme preto e branco, e lembra de afirmar que jamais abandonaria o analógico, pois as primeiras câmeras digitais tinham qualidade inferior. Mas logo descobriu novos equipamentos e acabou migrando.

Aos 19 anos, teve uma imagem adquirida pela coleção Pirelli Masp. Formou-se em Cinema e sempre investiu na fotografia documental. Seus trabalhos transitam por uma variedade de temas sociais, incluindo ecológicos e LGBTQI.

Sua especialidade são os retratos, em que fica tão à vontade com as pessoas, que produz uma aparente espontaneidade. Atualmente, Coelho desenvolve "esculturas fotográficas", as quais imprime em tecido e molda em seu próprio corpo: "É um método para desenhar as emoções".

A abordagem relacional move o trabalho realizado pelo citadino Danilo Christidis (36 anos) e o indígena Vherá Poty (32 anos). Durante sete anos, conviveram com comunidades da etnia Mbyá Guarani em toda região sul do Brasil, aprenderam e fotografaram juntos.

Em 2015, lançaram o primeiro livro fotográfico na história do país realizado em coautoria indígena. Até chegar a conhecer o colega Poty, Christidis fez seu primeiro trabalho nos Andes, em 2005, percebendo a diversidade geográfica e cultural: "No Sul, temos uma imagem muito branqueada da população destes territórios".

Na volta, procurou a galeria da Casa de Cultura Mario Quintana para expor e conheceu Sérgio Sakakibara e Amauri Fausto. Fez cursos, utilizou o laboratório público e levou sua Canon Ae1 outras vezes ao Peru.

Depois, aproximou-se dos Mbyá Guarani, povo que está aqui há pelo menos cinco mil anos. Conviver com os índios foi essencial: "Há formas de narrar a vida na fala deles que a nossa linguagem não alcança".

Enquanto Poty entendeu a técnica da fotografia muito rápido, Christidis revela que demorou a compreender os entendimentos dos indígenas sobre o belo, pois suas definições não são categóricas, mas carregadas de subjetividades. "Quando cheguei, Vherá Poty me disse que teria que aprender a ver as coisas", relata.

Fosse com a câmera Leica M a tiracolo ou com a Toyo Field, posicionada em um tripé, Luiz Carlos Felizardo percorreu o Estado, gravando filmes Kodak Tri-X e Ilford HP5. Aos 71 anos, suas imagens compõem parte do nosso imaginário.

Mesmo quando maior parte dos profissionais já havia migrado para o digital, Felizardo seguiu com a fotografia analógica, até que o surgimento de uma ataxia lhe impôs dificuldades motoras, e precisou abandonar o laboratório tradicional. Então lançou-se a explorar a tecnologia digital na série A estranha xícara, em 2018.

Sua trajetória de mais de 40 anos de trabalho é contada em um documentário que o Margs acaba de lançar, dirigido por Gilberto Perin e Emerson Souza. O curta Luiz Carlos Felizardo, um fotógrafo na estrada está disponível no canal de YouTube do museu.

Luiz Carlos Felizardo - O mercado de trabalho para artistas no Estado é muito difícil, principalmente para a fotografia, em todos os seus segmentos. Para o fine arts, principalmente, o Brasil ainda está muitos anos atrás de outros países europeus e dos Estados Unidos. O eixo Rio-São Paulo sempre oferece mais possibilidades. Aqui são poucas as galerias que trabalham efetivamente com fotografia e o mercado não valoriza adequadamente. Quanto às novas gerações, temos excelentes jovens fotógrafos que vêm conseguindo mostrar seu trabalho não somente aqui, mas em outras cidades e países, graças aos festivais, editais, etc. Porém, esses, com nosso atual governo, estão sendo desmantelados, assim como as publicações especializadas.

Felizardo - O olhar do fotógrafo depende de uma série de coisas que rodeiam toda a nossa vida, que são os nossos prazeres, notadamente a música, a literatura, o cinema. E delimitam o que se possa considerar como qualidade. Através deles que o olhar do fotógrafo se forma e atinge, depois de certo tempo, a maturidade. Eu acho que não há modificações ao final da vida, acho que o olhar do fotógrafo continua sendo, num certo sentido, um olhar diferenciado.

A porto-alegrense Vic Macedo (25 anos) começou a fotografar em 2014, formou-se em Fotografia e foi premiada com a residência artística do FestFoto. A partir desse momento, expôs em diversos espaços de arte na Capital. Neste mês, foi selecionada para o Salão Anapolino, um dos mais importantes do País. Com sua Canon T5i em punho, dedica-se à afirmação da identidade dxs jovens afro-brasileirxs. Sua estética, por mais que utilize equipamento e tratamento digitais, remete ao preto e branco analógico.

Vic Macedo - Minha inspiração foi o Afrofuturismo, que mistura elementos da ficção científica, arte e fantasia, e diversas fontes além da fotografia, como o cinema. Identifiquei-me muito com o filme Space is the place, de Sun Ra, onde ele argumenta que a luta por justiça racial é exaustiva e que negros teriam uma melhor qualidade de vida se criassem sua própria sociedade antirracista. Trouxe esse contexto para a minha própria realidade como mulher negra no Brasil. Vejo que a luta antirracista aqui é uma luta pelo básico: como o direito de caminhar na rua com um guarda-chuva ou ir à escola sem ser baleado pela polícia. Por isso, pensei em criar, mesmo que seja no campo da ilusão, uma sociedade preparada para acolher pessoas negras sem precisarmos pensar e lidar com todas essas questões no dia a dia.

Vic - Com certeza. Tenho dever de usar a imagem para subverter a forma como o negro vê a si mesmo. Não me sentiria bem se fotografasse qualquer outro assunto banal, deixando essas questões de lado, como se a arte negra já estivesse bem representada. Meus projetos também são uma forma de me manter sempre estudando a história das lutas raciais, da formação do Brasil - essa parte da história que não é mencionada nas escolas. A melhor parte é quando alguém vê meu trabalho e diz que se interessou por aquele assunto e foi se informar mais. O meu maior objetivo como fotógrafa é esse.